很多的与音响有关的英文汉注单词，比较有用。 [复制链接]

◆基础乐理◆

　　　稍有物理知识的人都会知道，声音是因为物体的振动而产生的。音乐是听觉艺术，其最基本的构成就

是声音。但是并不是我们在自然界中听到的一切声音都可以作为音乐的构成材料。在音乐体系中用到的

声音，是无数人经过长期实践精选出来的、能够体现人类感情的声音。这些声音组成了一个固定的乐音

体系，又经由几十代音乐大师之手，创作出了无数优美、动人、振奋人心的传世佳作。为我们留下了一

笔丰厚的文化遗产。
从听觉角度来讲，声音主要由四种属性——高低、长短、强弱、色彩（即常说的音色）。
其中：
音的高低是由发音源在一定时间内的振动次数（频率）来决定的。振动次数越多，频率越高，音也就

越高。反之则低；
音的长短是由发音源振动时所持续的时间来决定的。持续的时间越长，音越长，反之则短；
音的强弱取决于由发音源的振动幅度（振幅），幅度越大，音越强，幅度小音就弱；而发音源的材质

、形状及泛音数的多少则决定了音色。
声音的以上这四种属性，在音乐的表现中都是非常重要的，其中又以“高低”和“长短”最为重要。比如

一首歌曲，本来是由人声演唱的，但是如果我们把它改编为器乐曲、并且减小音量，虽然改变了音的长

短和音色，但是仍然可以很容易地分辨出它的旋律。但是，如果我们把这首乐曲中每个声音的长短、高

低随意的改变 ，其原来的旋律马上会受到严重的破坏——面目全非呀！由此可见,无论是创作、演奏、歌

唱的时候都应该对声音的高低（音高）和长短（即后面要谈到的“时值”、“节奏”）加以特别的注意。
由于物体在振动的时候并不是总是规则的，所以声音又有“乐音”和“噪音 ”之分。规则振动发出的是乐

音，反之则称为噪音。在音乐中，用的最多的是乐音，但是这并不代表噪音就不属于音乐的组成部分，

乐队中的大部分节奏打击乐器所发出的声音就属于噪音，但它同样具有非常丰富的音乐表现力，甚至成

为了现代通俗音乐中不可缺少的部分。
最后，还需要再提到的一点是——我们平时听到的某一个音都不只是一个单独的纯正的音在响，而是

许多个声音的结合，我们称之为“复合音”。这是因为物体在振动的时候不仅整体在振动，而且各个部分

也在振动。以吉他为例，在我们拨响一根琴弦地的同时，这根琴弦的1/2、1/3、1/4……各个部分也都在

分别振动。这种由琴弦（发音源）整体振动产生的声音称为“基音”，是最容易被人耳听到的声音。其它

部分振动产生的音，称为“泛音”在与基音同时发声的时候是不容易被听到的，除非我们刻意地抑制基音

，突出泛音。比如吉他中的自然泛音和人工泛音奏法。
为了说明这个理论，更直观的理解，有吉他的朋友可以在每条弦的第12品附近做一个试验。——先用

左手的小指轻轻地虚按在任意一根弦的第12品位置（琴弦不要碰到音品），然后用右手拨动这根弦，同

时马上抬起左手的小指。这时你会听到一个不同于弹奏这根弦的空弦或第12品时的、非常特别的声音，

这就是泛音。现在，观察一下儿吉他第12品对于琴弦来讲的大概位置。怎么样？对了是1/2处！同样1/3

处（第7品）、1/4处（第4品）都有这种声音。
体系、音级、音列和音的分组
一个不是很重要的概念（简单了解即可）——在音乐体系中，所有具有固定音高的乐音的总和，叫做

乐音体系。乐音体系中的音，按照上行（xíng） 即从低到高或下行（由高到低）的次序排列起来的音叫

做音列。我们在钢琴上可 以明显地看出乐音体系中所使用的音和音列。标准的钢琴有88个键，也就是说

钢 琴由88个音高各不相同的音。除此之外的音很少用在音乐中。
下面要讲一个比较重要的概念——音级。
乐音体系中的每一个音叫做音级。音级有基本音级和变化音级两种。

一.基本音级：
在乐音体系中，具有独立名称的7个音级叫做基本音级。这7个音级表就是现在钢琴上白色琴键所发出

的声音。
基本音级的名称有音名和唱明两种标记方法，每个音级的音名是用字母来标记的。唱名则利用读音来

表示。（关于音名和唱名的关系，我们将在后面的调式与调性的部分具体讲解。）以C大调为例：C大调

基本音级的音名从低到高分别 标记为：C、D、E、F、G、A、B与其对应的唱名则是do、re、mi、fa、

sol、la、si 七个读音。
在乐音体系中7个基本音级的标记（音名和唱名）是循环使用的。即C、D、E、F、G、A、B之后又回

到c、d、e、f、g、a、b或do、re、mi、fa、so l、la、si之后还是do、re、mi、fa、sol、la、si……如此循环

往复。
但是，每一个循环中的音级是音高不同的，也就是说，虽然音名（或唱名）相同但音高是 不一样的。

在标记音名时时采用大写、小写，或者是在大写字母后加入下标、小 写字母后加入上标的方法加以区别

。如：C、a、a1(后面的数字“1”应为上标形式）、B3（数字“3”应为下标形式）。其中两个相邻的、具有

同样名称的音的关 系叫做“八度”。

二.变化音级：
在七个基本音级中，除了E和F（C调唱名为mi和fa）、B和C（C调唱名 为si和do）之外，其他的两个相

邻的音级之间还可以得到一个音，也是人耳可以 明显分辨出来的。
我们举一个例子——在C音和D音之间还可以得到一个音高既不同于C又不同于D的音，也就是说这个

音要比C音高但是又比D音低。我们可以认为 这个音是升高C音或者说是降低D音得来的。这种升高或降

低基本音而得来的音，叫做变化音级。变化音级表现在钢琴上就是黑色琴键所发出的声音。变化音级的

标记方法是在基本音级的前面加入#(升号）或b(降号）。如C音和D音之间的音， 我们可以说它是升高C

音而得来的，这样就把它标记为#C（读做“升C”），同时 ，我们也可以认为它是降低了D音而得来的，

因此也可以把它标记为bD（读作“降 D”）。
由此可见，#C和bD实际上是一个相同的音，只不过标记方法不同罢了。这 种标记方法不同、实际音

高相同的音叫做“等音”。

三.音的分组
前面我们讲过，在乐音体系中七个基本音的名称是循环重复使用的。 因此就会产生许多音名相同而音

高不同的音，为了加以区别，我们将音列分为许 多个“组”。
最中央的一组叫做“小字1组”，用小写字母并在右上方加数字1来表 示，如c1、d1、e1、f1……(字母后的

数字应为上标形式，下同)比小字1组高的音组依次命名为“小字2组”、“小字3组”、“小字4 组”、“小字5组

”，其中，小字2组的标记方法是——用小写字母并在右上方加 数字2。其他各组的标记方法依此类推。
比小字1组低的音组依次命名为“小字组”、“大字组”、“大字1组 ”、“大字2组”
小字组的音用不加数字上标的小写字母来标记，如c、d、e、f、g、a 、b；
大字组的音用不加数字下标的大写字母来标记，如C、D、E、F、G、A 、B；
“大字1组”和“大字2组”的音用大写字母并在右下方加数字下标来 表示：如F1、G1、B2、A2……
同名变化音级的标记方法只要在基本音级的前边加上#（升号）或b（ 降号)即可，如#A1、#e、#f2、

bA、bg3……

下面以钢琴为例，介绍一下儿音的分组（只列出基本音级的分组）—— 在钢琴上，从左向右（由低到

高）基本音级（白键）的分组依次为：

大字2组：A2、B2
大字1组：C1、D1、E1、F1、G1、A1、B1
大字组：C、D、E、F、G、A、B
小字组：c、d、e、f、g、a、b
小字1组：c1、d1、e1、f1、g1、a1、b1
小字2组：c2、d2、e2、f2、g2、a2、b2
小字3组：c3、d3、e3、f3、g3、a3、b3
小字4组：c4、d4、e4、f4、g4、a4、b4
小字5组：c5、
五线谱利用许多条相互平行的横线，和音符、休止符来纪录音乐。不同形状的音符和休止符标明了每个

音的时值（声音持续时间的长短），这些音符在五线谱上的位置决定了声音的高低。
1.谱面构成
五线谱的基本谱面有五条平行的横线，相邻两条线之间的空余部分称作“间”，五线谱就是用这些线和

间来纪录音乐的。在五线谱上，这五条线和四个间是由下至上计算的，即最下面的线称作第一线，它上

面的一条叫做第二线……其余依此类推，一直到第五线；由第一线和第二线画出的间叫做第一间，再上

面的称第二间、第三间、第四间。
很明显，如果仅仅利用基本谱面上的五条线和四个间，我们最多只能纪录9个基本音级，加上变化音级

也不过14个音，这在很多音乐作品中是远远不够的。因此，为了纪录音高高于第一线或者低于第五线的

音级，还要在第五线上面或第一线下面加上许多短线，叫做“加线”。位于基本谱面上面的加线叫做上加

线、下面的叫做下加线，并且由此产生了上加间和下加间。
加线和加间的计算方法是：上加线和上加间与基本谱面的计算方法相同，也是由下至上计算。即：第

五线上面的加线依次为：上加一线、上加二线、上加三线……。第五线和上加一线形成的间叫做上加一

间，在向上依此类推；下加线和下加间则由上向下计算。即：第一线下面的加线依次为，下加一线、下

加二线、下加三线……。第一线和下加一线形成的间叫做下加一间，依次向下为，下加二间、下加三间

、下加四间……。
2.音符、休止符：
音符就是在五线谱上记录声音持续时间长短（时值）的符号。
休止符就是记录声音间断时间长短的符号。休止符同样记录的是声音，只不过它记录的声音不发声而

已。可以说休止符是“不发声的音符”，它同样对音乐的表现具有重要的意义。
音符由“符头”（空心或实心的椭圆形标记）、“符干”（垂直向上或向下的短线）和“符尾”（连在符干

末端的细细的旗状标记。）三部分组成。根据时值的不同分为：
二全音符（很少使用）：空心符头，并且左右加垂直的短线。没有符干、符尾；
全音符：空心符头，没有符干、符尾；
二分音符：空心符头加符干；
四分音符：实心符头加符干；
八分音符：实心符头加符干和一条符尾；
十六分音符：实心符头加符干和两条符尾；
三十二分音符：实心符头加符干和三条符尾；
六十四分音符：实心符头加符干和四条符尾；
一百二十八分音符（很少用）：实心符头加符干和五条符尾；
它们之间的时值关系是：
一个二全音符=2×全音符；
一个全音符=2×二分音符；
一个二分音符=2×四分音符；
一个四分音符=2×八分音符；
一个八分音符=2×十六分音符；
一个十六分音符=2×三十二分音符；
一个三十二分音符=2×六十四分音符；
一个六十四分音符=2×一百二十八分音符；
休止符分为：
二休止符（很少使用）；
全休止符；
二分休止符；
四分休止符；
八分休止符；
十六分休止符；
三十二分休止符；
六十四分休止符；
一百二十八分休止符（很少用）；
在我们用五线谱记录音乐的时候，并不是把所有的音符、标记堆积在谱面上就可以了，而是要遵循一些

标记规则的。正确地掌握这些规则，可以使谱面清晰明了，从而能够准确地反映乐思，并且有助于相互

的交流。
前面我们讲过音符最多可以由三个部分组成——符头、符干、符尾，其中，音符的符头可以记在五线

谱的任意线或间上。符头在五线谱上的位置越高，则它所代表的音就越高。反之则越低。
在记录单声部音乐的时候，因为单声部音乐在同一个位置上的音符时值是相同的，即此位置上的音符

可以共用一条符干。所以我们采用单符干方式记谱。
用单符干记谱时，当符头在第三线以上时，符干朝下，写在符头的左边；当符头在第三线以下时，符

干朝上，写在符头的右边；符头在第三线上时，符干朝上或朝下均可，此时要邻近音符的符干方向而定

。符尾永远写在符干的右边并且弯曲指向符头。如果同一时刻有多个音符同时发声，则各个音符纵向对

齐记录，此一列音符共用一条符干，符干的方向以距离第三线最远的符头为准。如果不同时刻、相互连

续的几个（列）音符都有符尾，这时可用共同的符尾（符杠）相连。如果符杠在两条以上，则相互之间

要平行。
单声部音乐永远用单符干记谱，多声部音乐只有在节奏相同（同一时刻每个声部中的音符时值相同）

时才可以用单符干方式记谱。节奏不同时，要用双符干或多符干记谱。在用多符干记录二声部乐谱时，

高音声部的音符，符干朝上，低声部的符干朝下。声部交错时（即高声部最低的音有时会低过低声部的

音。），其原则不变。
符干的高度一般保持八度音的距离，假如符干连着许多符头时，符干的长度应是符头间的距离加上八

度音程的距离。如果符头在上加三线以上，符干必须延伸到五线谱的第三线或者第四线。如果符头在下

加三线以下，符干必须延伸到五线谱的第三线或者第二线。音符如果带有符尾，则符尾形状不变。
当许多音符以共用符尾连结在一起时，会出现符干长度长短不一的情况。这是要使符杠（共用符尾）

与最近的符头之间的距离保持在八度左右。符杠的角度要和音符在谱面上的走向基本平行。符点（后面

将要介绍到）要写在音符符头或休止符右面的间内，而不是线上。
休止符在单符干记谱时要写在第三线或尽量靠近第三线的位置。二分休止符写在第三线的上面，全休

止符写在第四线的下面。双符干记谱时，如果是各声部共同休止的时候，休止符的写法和单符干记谱相

同。个别声部休止时，休止符要写在五线谱的边缘，或线谱的外面。这时全休止符和二分休止符就需要

加线，全休止符写在加线的下面，二分休止符写在加线的上面。
在前面我们曾经讲了一些具有基本时值的音符。但是，当我们利用五线谱记录乐曲的时候，仅仅依靠这

些音符是不够的。比如：当我们要记录一个音符，但是，它的时值相当于一个半二分音符那么长。也就

是说这个音符的时值比二分音符长，比全音符又要短一些，很明显如果用基本音符来表示就无能为力了

。在这时，我们就需要用到一些给基本音符增加时值的补充记号。这主要由三种：
1.符点：
符点是记在音符符头右边的小圆点儿，用以增长音符的时值。如果一个音符的右边带有一个符点，那

么就表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加1/2；如果是带有两个符点的音符，则表示此音符的时

值在原来的基础上还要再增加3/
4。例如：带有一个符点的二分音符，它的时值就是一个二分音符再加上一个四分音符的长度。
带有一个符点的八分音符，其时值等于一个八分音符再加上一个十六分音符的长度。
带有两个符点的全音符，其时值等于一个全音符再加上一个二分音符的长度。
带有两个符点的四分音符，其时值等于一个四分音符加上一个八分音符的长度……
同样，符点一样适用于休止符，它所表示的意义和用在音符后面时是一样的。
2.延音线：
延音线是一条向上或向下弯曲的弧线，其作用是：将两个或两个以上具有相同音高的音符相连，在演

唱或演奏时作为一个音符，它的长度等于所有这些音符的总和。
在单声部音乐中，连线永远写在和符干相反的方向。如果是双声部音乐，则
高声部的连线朝上弯，低声部的连线朝下弯。如果多于两个声部，连线则分别记
在两边。
3.延长号：
延长号的形状是在一个半圆形的中间加上一个圆点，在单声部音乐中，它写
在音符或休止符的上面，表示按作品的风格、演奏者的意图可以自由的增长音符
或休止符的时值。在多声部音乐中，延长号也可以记在音符或休止符的下面。此
外，延长号还可以记在小节线上，表示小节间片刻的休止。当延长号记在双纵线
小节线上时，代表音乐的结束或告一段落。

第六节 变音记号
变音记号是用来表示升高或降低基本音级的记号，一共有五种：
1.升记号（#）：表示将基本音级的音高升高半音；
2.降记号（b）：表示将基本音级的音高降低半音；
3.重升记号（※）：表示将基本音级的音高升高两个半音（一个全音）；
4.重降记号（bb）：表示将基本音级的音高降低两个半音（一个全音）；
5.还原记号：表示把已经升高或降低的音还原。
从纵向位置来讲，变音记号可以记在五线谱的线上或间上，以对应要改变的音符；从横向位置来讲

，变音记号可以记在音符的前面或谱号的后面。

直接记在音符前面的变音记号叫做临时变音记号，它只对所在小节中的所有具相同音高的音符有效—

—比如，在一个小节中，临时升记号记在了第五线的F音上，那么就表示本小节第五线上的F音在演奏时

要升高半音。但是，如果在此小节中还有一个第一间的F音（同名不同高），并且希望这个音在演奏时

也升高半音，那就需要在此音符的前面也加上一个临时升记号#。
注意：临时变音记号只对其所在小节内的音符生效。进入到后面小节中所有改变的音符自动还原。
当变音记号写在谱号（乐曲第一小节最前面的花体符号）后面时，则称为“调号”，它是用来标记乐曲

的调式的。除非在乐曲的进行当中改变调号，否则它对五线谱内所有具有相同音名的音符都生效。——

比如G大调的调号是一个升号，记在第五线上。它表示谱面内所有的音名为F的音符（包括同名不同高的

音符）都要升高半音，而不仅仅是升高第五线上的F音。
如果在乐曲进行当中需要改变调号，则需要遵循如下规则：
1.增加原有升号或降号的数目。这时只需要在要改变调号的那一小节的开始处直接写出新的调号；
2.减少原有升号或降号的数目。这时要先在前一小节的最后还原多余的变音符号，然后在要改变调号

的那一小节的开始处直接写出新的调号；
3.升号调号变降号调号或降号调号变升号调号。这时要先在前一小节的最后还原原有的变音符号，然

后在要改变调号的那一小节的开始处写出新的调号；

古典音乐欣赏入门

       记得是在2002年年初，我在当时的短歌行网站上开设了名为"边听边入门"的古典音乐赏析板块，当时怎么也没有想到这个栏目后来会得到如此热烈的好评，反响会如此强烈。以至于新版网站推出之后，许多网友立即来信责问我，为什么把这个优秀栏目中的所有文章都撤掉？其实我心中对于这个栏目是很有感情的，之所以没有保留原来的那些文章，只是想把这个板块做得更好。

      老的"边听边入门"是由一篇篇独立的文章以及曲目试听构成的，缺乏条理性，所以只能算一个并不系统的古典音乐赏析指南。回想起来，当时短歌行开办这个栏目的初衷是让更多的朋友来接触古典音乐，也就是面向"入门听众"的，但相对杂乱的更新顺序使许多朋友依旧在古典音乐面前不得要领。我深感虽然这个栏目得到了很大一部分网友的肯定，但距离我心目中理想的境界还有很长一段路要走。趁着短歌行改版之际，我也就下定决心把这个栏目重新系统化、条理化起来。

      那么具体如何"系统化、条理化"呢？当然需要一条主线把诸多的知识点串联起来，这条主线就是由我主笔的这个《将古典入门进行到底》系列文章。在这个系列文章中我会按照古典音乐发展的时间顺序，结合诸多书籍指南、名家前辈以及自己的经验，向广大有意接触古典音乐的入门听众，系统化地传授古典音乐的相关知识。同时在"爱乐美文"板块会转载一些与当时介绍主题有关的优秀文章；在"完美试听"板块为大家提供相关曲目的试听下载；在"音乐人星空"板块推出与主题紧密联系的有关音乐人的生平介绍和背景资料。如此这般四管齐下，相信可以把"古典入门"这个主题推向一个新的台阶。

      不过在进入正题之前，我觉得很有必要用一个章节来说一些自认为比较重要的话，只有把这几个话题说清楚了，大家引领大家进入古典音乐的大门——

      一、什么是"古典音乐"？

      在国外，这种音乐类型被称之为"classical
      music"，"classical"有"古典的、正统派的、古典文学的"之意，所以我们国人将之称为"古典音乐"，确切地说应该是"西洋古典音乐"。首先从概念上解释，"古典音乐"是一种音乐类别的名称。然而即使在国外，对于"classical
      music"一词的具体意义，也有诸多不同的解释，其中主要异议来自于对"古典音乐"时代划分理念的不同。最狭义的解释是，把十八世纪下半叶至十九世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬三巨头为代表的"维也纳古典乐派"的作品特指为"classical
      music"。最广义的解释则是，把时间前移到欧洲文艺复兴时期，从那时起直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族乐派、印象主义直至十九世纪末、二十世纪初出现的现代乐派，甚至包括所有非纯粹娱乐性质的现代专业音乐，统称为"classical
      music"。

      或许大家看了上面的文字会感觉有些复杂，因为对音乐这样一种自由的艺术形式进行分门别类本来就是一件非常费神的事情。不过我们还是应该尽可能应该把古典音乐的概念简要化。普遍的观点认为，相对文艺复兴时期的早期音乐和十九世纪末期开始初露端倪的现代乐派，巴洛克时期直到印象乐派出现之间这几百年的西洋古典音乐发展最为迅捷，也最容易被大众所接受。因此，短歌行的这个入门系列主要为大家介绍的将是从十七世纪直到十九世纪末期，这样一个将近300年时间跨度内的经典西洋音乐作品，这同样也就是我们所特指的"古典音乐"概念。当然一些超出这个时间跨度的优秀著名作品，譬如二十世纪，苏联现代派作曲家肖斯特科维奇的音乐，我们也会适当的择以介绍。

      二、别称——"高雅音乐"与"严肃音乐"？

      在我们国家，很多人喜欢把"古典音乐"与"高雅音乐"、"严肃音乐"混为一谈，而且其中有很大一部分还是古典音乐的"推崇者"。粗看之下似乎并不不妥，但这两种观点在某些人理解下，却很容易成为"让古典音乐走向大众"道路上的一道鸿沟。

      第一个问题，古典音乐是不是"高雅"？我觉得应该肯定这种说法，不过我们对于这里所指的"高雅"要有一个正确的理解和认识。有些朋友之所以认为古典音乐"高雅"，是因为瞧见了台上指挥家们西服笔挺、冠冕堂皇的庄重模样；是因为看到演奏这些音乐的乐团演奏家们整齐划一、一丝不苟的装束；是因为注意到了音乐厅典雅华贵、祥和隆重的布置气氛；甚至连观众们都要衣冠楚楚、注重礼节。其实，这些表面的"高雅"并不能体现出古典音乐的精髓所在，音乐的高雅气质是从旋律中透出来的！严谨而完整的结构、优雅而曼妙的旋律、丰富而深邃的思想内涵，这些才是古典音乐"高雅"的根源。其中我们可以听到属于人类最圣洁的情感、发自心灵最深处的呼唤和最崇高的理想。表面的高雅其实只是长期以来西洋音乐发展中形成的定式与惯例，虽然我们可以将之看作一种"浮华"，但却又很难想象，一群衣冠不整、装束各异、甚至蓬头垢面的演奏家、指挥家出现在观众面前，能够演绎出好的效果。因为表面的堂皇正好可以烘托出西洋古典音乐中那独特的严谨、庄重气质。其实当今的欧美古典乐坛也在力图改变自己过于拘谨、与大众较为疏远的形象，著名的柏林森林音乐会就是很好的例证，在那里人们可以无拘无束的以悠然自得的方式欣赏古典音乐，不必拘泥服饰是否得体，也不必正襟危坐，更可以随心所欲的鼓掌喝彩甚至一边野餐一边听音乐。

      当今中国的教育界尤其喜欢把"古典音乐"称作"高雅音乐"，原因很简单，老师们看不惯学生沉迷于对港台歌星的追捧，所以时常组织学生去欣赏一些所谓的古典音乐会，美名曰"陶冶情操、提高品位"、"让高雅音乐进入校园"等等。这种做法的初衷无可厚非，但如果只是简单的组织学生去看、去听，而不加以正确的引导，很难有实质性的效果，甚至会让学生从小就在心中埋下对古典音乐（高雅音乐）的厌恶之情。加上如今的大环境、大气候，通俗娱乐占据了大部分视线，或许很多人就会终生对古典音乐心存畏惧。

      其次，一些媒体把古典音乐和"严肃音乐"之间划上等号，我觉得更是一种极大的不妥。很多外行人对古典音乐的第一感觉就是"晦涩、难懂"，如果再不分青红皂白统统被冠以"严肃音乐"的统称，恐怕今后对古典音乐感兴趣的人将越来越少。虽然从某种角度来看，一部分古典音乐的表达形式以及旋律主题确实是"极其严肃"的，但同样应该看到大部分西洋古典音乐的主题是歌颂、是赞美，拥有美妙明快的旋律以及无比欢畅的情怀。而且即使是某些主题严峻、思想深邃的古典音乐，也往往想要传达出一种"严肃中的快乐"。譬如贝多芬著名的《欢乐颂》、勃拉姆斯著名的《第一交响曲》第四乐章和柴科夫斯基《第四交响曲》的第四乐章，虽然这些作品都饱含着高尚而深沉的哲理，但最终无不给人一种积极向上的振奋之感。其实入门之后，听众们就会发现其实古典音乐并不难懂，也并不只有严肃和深沉。

      之所以在国内出现古典音乐的这两个并不准确的"别称"或者说"代名词"，我只能遗憾的说，一些媒体和"学者"对古典音乐的推崇只停留在一个十分形式化的层次上，他们并没有真正对古典音乐有系统的、深刻的理解，以至于弄巧成拙，反而让更多的人感觉到了自己与古典音乐之间遥远的距离，成为一个误区。

      三、古典音乐魅力何在？

      很多没怎么接触古典音乐的朋友，往往觉得听古典音乐的人有些古怪，这是因为他们还不能接受这种音乐表现形式。更有不少朋友，面对古典音乐百年来长盛不衰、乃至世界范围内遍地开花的形势感到不可理解，他们对于古典音乐能够历久弥坚的解释是——"每个年代、每个群落总有那么一些以听古典音乐为高雅情趣的"附庸风雅之士"；这群人并不懂得古典音乐的真谛，却煞有介事的和着音乐，闭目凝神、摇头晃脑；正是因为这样的人多了，所以造就了古典音乐在现代社会的繁华，或者说"浮华"，事实上古典音乐早就已经是时代所淘汰东西了"。很多对古典音乐了解甚少，或者有兴趣入门的朋友，在这种言论下会显出犹豫、彷徨，他们会怀疑古典音乐在当今社会还有没有存在的价值？那么我们不妨来和大家谈谈这个话题，如果延伸开去，其实就是——古典音乐究竟有什么好听？它的魅力究竟何在？或许，这对于培养入门者的欣赏兴趣是具有一定引导作用的。

      如果只看表象，那么音乐最基本的功能只是取悦听众的耳朵罢了。如果我们要挖掘音乐深层次的内涵，那么我觉得，音乐对作曲家而言是一种表达心境、抒发情感的途径；对于聆听者而言，则是为了从音乐中获取自己需要的情感慰藉、求得精神世界的共鸣。以上两点正体现了音乐的两个特性——娱乐性和思想性。即使是流行歌曲也并非纯娱乐性，而是有思想的。但是古典音乐中蕴含的思想性却要更加深刻、含蓄、多变且耐人寻味。他能够表现出人类最深层、最炽烈的情感和最为跌宕起伏的情绪变化。古典音乐不像流行音乐那样直白，但是留给我们遐想、思考、回味的余地更大，所以它耐听、能够经历岁月和时间的考验，有人说：一旦喜欢上古典音乐，你就找到了自己一生中除了爱人以外的另一个终生伴侣，而且古典音乐是永远不会和你离婚的。虽然比喻有些令人忍俊不禁，但也颇有哲理。

      另外，古典音乐拥有经久不衰、常听常新的优美旋律，这与眼下流行音乐源源不断出炉，却迅速又被流行趋势所淘汰的境况形成十分鲜明的对比。虽然古典音乐肯定不会被这个时代大部分人所接受，但是也不可能被历史所淘汰。原因很简单，不同的听众需要不同的音乐来抚慰心灵。古典音乐中蕴含的那份宁静致远和激情澎湃，能够给我们带来其他音乐类型无法实现的心灵安慰与精神鼓舞。在如今这个物欲横流、纷繁复杂的商业社会中，古典音乐的天地无疑如同世外桃源。

      不过写到这里我突然想到，与古典音乐所具备的丰富内涵相比，我的文字实在有些苍白无力。或许一些已经入门的朋友读了上面的文章，会与我取得一定的共鸣，但对于更多站在古典音乐大门外的朋友而言，这些"说教"或许依然难以打动他们。音乐选择是很主观的，所以古典音乐并不适合所有人，尤其是生活在如今社会环境下的人们。有些朋友一生对音乐这种艺术都没有兴趣，将之视为"噪音"，有些人则一生都不愿意接受古典音乐，认为它过于"枯燥、晦涩"。这些观念上的不同都和每个人的人生经历、个人偏好乃至知识层面、思想境界有着紧密的联系。所以我明白，这个系列文章不可能改变古典音乐在当前的境遇，我只是为了一个理想和爱好，尽自己的绵薄之力。因为我遇到了另外一些朋友，他们对古典音乐不熟悉，但是通过一两部作品的引导，却对此发生了浓厚的兴趣，又苦于古典音乐唱片过于昂贵，也不知道该从哪个地方入手进一步提高自己的欣赏能力与欣赏范围。短歌行的这个古典入门系列正是为这类朋友"踱身定做"的。让我们共同在古典音乐的天空中翱翔，寻找属于自己的音乐理想，共同交流，相互促进，把古典入门进行到底！

      将古典入门进行到底（2）——古典入门第一步

      在序章中，和大家探讨了一些问题，看到不少朋友很期待这个系列文章的未来，也看到自己的一些观点能够被大家所认可，这就更坚定了把这篇东西写下去的信心。在前面的序章里，我只是很笼统地谈了一些自己对于古典音乐的看法和认识，而在今天我想和大家继续探讨，究竟应该如何走进古典音乐殿堂的大门。

      我自己是什么时候，如何喜欢上古典音乐的呢？我想和许多爱乐者一样，应该是循序渐进，逐步跨入的，说不上是从哪一年哪一天开始的，更说不好是怎样开始喜欢上的。记得在自己很小的时候，对于音乐就很有兴趣，听得最多的应该是父亲用那台结婚时候买来的港产"四喇叭"从电台节目中录下来的磁带。诸如王结实、谢丽斯的通俗歌曲、苏小明的《军港之夜》、邓丽君的优柔小调等等。不过在我记忆中家里有一盘唯一的JVC牌60分钟录音磁带（其它录音带都是SONY的）——标签上没有任何文字说明录音的内容，但我至今还记得磁带的塑料外壳是灰色的。之所以念念不忘，是因为里面的录音节目令童年的我十分着迷，那时候曾经问过父亲，回答只说放的是外国音乐。记得当时自己会经常拿出这盘灰色的磁带来，放进"四喇叭"中翻来覆去的听，丝毫不觉厌倦。那时候的我，应该还在念小学。

      进入了初中之后，也许是那个时期必然的兴趣变化，和很多同学一样，我开始迷恋港台流行歌曲，只是烧得还不算高，从来没去看过现场演唱会，只是陆陆续续积攒了大约几百盒正版磁带。如今回想起来，那时候自己听流行歌曲，似乎只是跟着媒体的炒作、宣传而在刻意追逐着一种虚无缥缈的潮流。歌词中的情与爱自己能懂得多少？歌曲中激荡的旋律又有多少现在还能被我记起？似乎一切过往的时尚前卫、流行趋势，都随着自己慢慢的成长与时间的推移而烟消云散。自己再也无法从流行歌曲中找到精神的寄托。一个偶然的机会，我又找到了那盘灰色的磁带。熟悉的旋律再次在耳边响起，似乎把我带回了童年时，专心致志守在"四喇叭"跟前，不断按动"BACK"与"PLAY"，不知疲倦反复聆听的场景。音乐依然如此的动听，令我感动，似乎让我隐隐约约感受到了音乐中最美好的东西。

      当有了一套真正的高质量音乐回放系统之后，我开始尝试着接触古典音乐，这已经是参加工作以后的事儿。在吃惯了流行歌曲带给我们的"娱乐快餐"之后，接受古典音乐的表现风格，自己着实花了不少时间。记得最早的时候，每当电视台、电台播放那些偏于阴沉、艰涩的古典音乐时，我总会有昏昏欲睡之感。看到一些评论文章介绍，说是能够从古典音乐中听很多东西，我虽觉匪夷所思，但又不由不信。只觉得那些音乐应该距离自己比较遥远。所以最初听古典，我显得没什么耐性，总是回避那些篇幅较长，"旋律找不到准心"的曲子，刻意寻找那种录音效果出色、曲目篇幅较短的古典或交响题材的唱片来练耳。起先，被逼真、辉煌的音响效果震撼了一阵子，其后却又隐约感觉这些唱片中的某些段落好像在哪儿似曾相识过，似乎早就浅埋在脑海中。冥思苦想一番，终于找到了根源——那盘灰色的录音磁带。

      原来，磁带中所录制的这些我小时候百听不厌的"外国音乐"，其实是由古典名曲改编的联奏，荟萃了许多优美经典的段落，不过当时还叫不上名来，后来才逐渐认识——《卡门》中的《斗牛士之歌》、罗德里格《吉他协奏曲》的第二乐章开始部分、亨德尔《弥赛亚》中伟大的《哈里路亚大合唱》高潮部分等等等等，实在是不胜枚举。虽然演绎得并不正统，带有些轻音乐倾向，乐团规模也不算很大，但却足以让古典门外汉驻足聆听。因为其中挑选的名曲片断旋律优美无比，而且是连续演奏，曲目之间的过渡十分自然流畅，乐团也充满了澎湃的激情。当我对古典音乐有最初了解的时候，方才明白这盘灰色磁带里众多动听旋律的渊源，更重要的是自己恍然大悟——原来古典音乐离我们这么近！

      再次回味磁带中那一段段名曲联奏，虽然音色与CD不可同日而语，甚至比MP3都不如，但却如此倍感亲切。更重要的是让我看到了蕴含于古典音乐中无尽的宝藏。此时的我自然不再满足于欣赏联奏中的片断，而是急不可耐的想投入古典音乐浩瀚的海洋中，寻找一个个曾经令我着迷过的亮点。就这样，我对古典音乐的兴趣与日俱增，从中获得的精神财富也越来越充实。有时候回想起来，那盘灰色的录音带真是我最好的入门导师。虽然磁带早已被封存箱底，但每当我回忆起来总是倍感欣慰。

      以上谈了我自己的一些经历，目的只是想告诉大家——不要把古典音乐看得离我们很遥远，其实她就在我们的身边，就在我们的生活中。留意一下如今精美玲珑的手机铃声、听听某些电视广播节目的背景音乐，您会惊异的发现，我们被林林总总的古典音乐名段所包围着。

      所以，抛开对古典音乐的心理障碍是普通听众入门的第一步，也是最重要的第一步！跨出这一步说难不难、说容易也不容易，所谓"功到自然成"，急不来也求不来。如果您看了我们的系列入门文章，依然感觉对古典音乐毫无兴趣，千万不要强求自己，否则只会适得其反。在序章中我就说过，古典音乐并不适合每个人，大家的性格脾气、人生观、世界观、文化观各不相同，因此古典音乐对不同人的吸引力也就不尽相同。甚至于同一个人在不同的年龄阶段，对古典音乐的认识与态度都会有千差万别。所以读者们尽可以用洒脱的态度来看待这第一步，水到渠成之时您会很自然的跨出，甚至是在不知不觉中实现的......

      将古典入门进行到底（3）——古典音乐与音响器材

      如果能够跨出古典入门的第一步，以一个开明的心态来接受古典音乐，那么我的经历可以告诉大家——后面的路就相对好走了。不过大家也千万不要以为从此便是前途坦然、一帆风顺。我深知对于很多朋友而言，在他们心中关于古典入门这个话题，肯定还有许多问题等待进一步地解释。今天我们来分析第一个，也是最具代表性的问题——听古典音乐是否一定需要发烧器材？

      不可否认，古典音乐的魅力，其中有一部分来自于音响效果。不少交响乐、协奏曲所体现出的力量、震撼乃至光辉灿烂，很大程度上得益于各种不同器乐合奏所营造出的美妙音色。欣赏现场表演的时候，这种感觉无疑最为强烈，这便是很多爱乐人始终钟情于音乐会的原因。但并不是经常有高水平的音乐会上演，即便是一场普通的音乐会，票价也往往令普通工薪阶层望而却步。因此，感受古典音乐，在家中欣赏唱片无疑是最为廉价、便捷的方式。谈到唱片，那就必须谈到用来播放唱片的器材。或许有些古典入门者会听到这样的忠告——想真正听好古典音乐，一定要购置一套稍微像点样的音响系统，否则你根本感受不到古典之美。我觉得，这话不算全对，也不算全错。古典音乐包括各种各样不同的类型，其中尤以交响曲、协奏曲这类有大编制乐团参与演奏的作品对器材要求为高。如果要深切体验每一种乐器的音色之美，那么对音响设备优劣更是讲究颇多。就拿古典音乐中最常见的弹奏乐器钢琴来说，要完美重现它的音色决不是很多朋友想象中那么简单的事情。

      读到这里，有些朋友或许会困惑——是不是没有优秀的器材，就无法体验古典音乐之美了？当然不是这样。著名作家辛丰年老前辈就在条件非常艰苦，器材非常差劲的年代，坚持对音乐真谛的追求，数十年间积累了丰富的经验与素材，攒下了《辛丰年音乐笔记》一书，令无数后来者受益匪浅。这正说明，欣赏古典音乐，一颗赤诚之心才是最重要、最可贵的，器材设备是次要的。不过像辛老前辈这样虔诚无比的爱乐人只是少数，对于目下大部分入门听众，要听好古典音乐，要培养起内心对古典音乐的兴趣，拥有一套较为优秀的回放系统还是有一定必要的。如果说，我们前面曾经谈过的"入门第一步"是让大家从心理层面抛开对古典音乐的误解和排斥，那么建立在良好器材基础上的欣赏，则可以理解为从主观感知层面更好地接近古典音乐，从而喜欢上她。或许有朋友要问："什么价位、或者说哪个等级的音响产品，才够得上欣赏古典音乐的要求呢？"事实上这是一个很难回答的问题，因为每个人的要求不一样，感受也不一样。就我个人的经验简而言之，对于器材在古典音乐，尤其是交响乐领域的回放效果，由低到高分成下面几个层次——响度与厚度、细节与音场、动态与感染力。

      首先，回放大编制的作品，需要有足够的响度方才能够体现出音乐中所蕴含的力量。很难想象，在又轻又柔的音量下能够表现出贝多芬《命运交响曲》中不屈不挠的抗争精神。所以保证音响器材拥有足够的功率，能够提供比较响亮又不至于失真的回放能力，是最基本的要求。接下来声音的厚实度显得尤为重要。有些器材嗓门"傻大"，但出来的声音给人的感觉总是漂浮、玄虚而缺乏底气。这样单纯的"响亮"，依旧无法表现出交响乐厚重、沉稳的气质。因此保证声音还原的厚度，才能让交响乐回放效果更上一个台阶。选择采用大口径、高品质扬声器单元的音箱以及大功率、高保真的功率放大器乃至专业的Hi-Fi
      CD唱机、更换材质设计优秀的信号线和音响线，都是提高声音厚度的途径。当然每个人对"厚度"的要求是不同的，不必刻意穷追，否则很可能适得其反。如果您的系统能够在一定的大音量条件下保证不出现明显失真的情况，同时声音播放又具有一定的厚度与底蕴，那么它基本就可以胜任交响乐以及绝大多数古典音乐的播放。然而这仅仅是胜任而已，古典作品的音色之美还体现在许多细节处理和宽阔精准的音场上。所以进一步提高声音的细节表现能力，注重系统的音场定位效果便是第二个层次。这中间除了需要在器材上投入更多的资金之外，对您听音室房间的声学环境、器材的摆位方法等都会提出各种各样更高的要求。如果您的音响系统能够表现出唱片中的一些"细枝末节"，譬如：演奏过程中乐器、旋律、音色、音准等方面的细微变化、演奏者呼呼的喘气声、提琴乐器的擦弦声甚至指挥翻动曲目总谱的声音，那么显然您的设备具有很好的细节表现力。如果您在欣赏音乐的时候闭上双眼，能够准确、生动地体味出乐团不同乐器、乐手所在的位置以及他们的变化，完美还原出近乎真实的声场宽度和纵深度，那么您的系统用来播放古典音乐将会非常不错，因为他能够让音乐表现力更趋于真实、准确。第三个层次则是动态与感染力。拥有一套动态出色的器材是很多音乐爱好者兼发烧友所期待的，因为这样能够带来最强烈的听觉刺激，从而触发心灵，而让音乐更富感染力。兼顾声音的厚度与细节，加上良好的声场定位还原，超大的动态无疑将起到锦上添花的作用。

      音色应该是音乐之美中最为直截了当的吸引力、最容易被普通听众体味到的魅力。许多入门的朋友需要通过体验来自音色的美妙，通过听觉层第一个环节的刺激，来进一步体验古典音乐作品美妙的旋律，进而从音乐中提炼其精髓，最终获得精神上的满足。从这个意义上来说，古典音乐入门听众确实需要一套较为优秀的音响器材。但我们必须了解，古典音乐之美是多方面的。说得片面一点，高档器材所能体现出的仅仅是音色之美（当然这里所指的"音色"概念是很宽泛的），仅仅是音乐的"外表美"。古典音乐更多的精髓蕴含于其内在的"心灵美"。"心灵美"由浅入深体现在优美的旋律、强烈的表现力以及作品丰富的情感内涵等方面。显然，旋律、节奏、调性等对于器材的依赖性就不像音色表现那么强了。假设播放同一张唱片，对比普通器材与高档器材之间的差异，可能在音色的饱满度、音场的开阔度和纵深度方面优秀器材会有更好的表现，但是曲目的旋律、节奏、调性是不会随着器材改变有明显变化的（当然，除了个别十分劣质的器材）。因此即使在最普通的收音机上欣赏广播电台的古典节目，只要信号接收平稳，听众同样可以感受到来自音乐的曼妙美感。而我觉得大多数音乐作品的思想核心与精神内涵主要是通过跌宕起伏的旋律编织、抑扬顿挫的节奏与调性变化体现出来的，丰富多彩的音色变化起到的是次要作用（当然不是说不重要）。

      所以说到这里，我们应该能够领悟出一些道理来。在家中欣赏古典音乐，并不一定强求听众要有很高档的音响器材。普通的低档音响，同样能够体现出古典音乐的魅力，只是在音效贫乏的条件下，入门听众对于音乐的感受和理解将会打一些"折扣"，"折扣"的大小视不同听众的主客观条件的具体情况而会有所不同。在经济环境允许的条件下，主张用优秀的音响器材来播放古典音乐，尤其是交响乐题材的作品，这样可以把作品的魅力以及作曲家的意志、甚至指挥家、演奏家们的二度创作意图最完美的体现出来。一般而言，拥有足够大的不失真功率以及一定声音厚度的器材基本可以满足大多数古典音乐的播放要求。

      对于器材的追求千万不要走火入魔，应适可而止，我们应该记住一点——再好的器材最终也是服务于音乐的。笔者周围有很多朋友，在拥有了一套入门级的音响设备之后，却没有把心思用到音乐欣赏中，而是反复在器材的音色表现力方面寻不足、找缺点。试问这样如何能体验到音乐中的美妙与乐趣？如何从音乐中获取力量和慰藉？我坚信，在很普通的低档器材上仔细聆听音乐，会比在高档器材上反复对比音色效果得到更多的东西。因为前者是在追求音乐的"心灵美"，而后者只是在追求音乐的"外表美"。目前正在使用或者准备使用随身听、多媒体音箱或者家用台式组合系统等低档设备聆听古典音乐的听众，也千万不要妄自菲薄，只要能够从音乐中有所得，那么这种精神是非常可贵的。在有条件的时候，升级更好的器材，再来欣赏您所钟爱的作品，您会感受到更多惊喜！

      将古典入门进行到底（4）——认识巴洛克音乐

      在系列文章的前三篇和大家交流了一些古典入门的心得体会，很多朋友都嫌我闲话太多了，OK！从本篇开始让我们开始正式启航。不过此前一直有一个问题困挠着我——我们该从哪里说起？按照很多前辈的经验，似乎从贝多芬开始入手最为合适，而我自己的经验也是这么告诉我的。但同时又觉得按照时间顺序来介绍，似乎更加合乎逻辑，能让大家更好的了解古典音乐发展的足迹，那么按照计划就应该从巴洛克音乐说起。但问题又出现了，很多有经验的爱乐者都会告诫说：对于入门听众而言巴洛克似乎枯燥、深邃了一些。回顾自己的历程，非常赞同这种说法，初听巴洛克往往会令人感觉宗教气息过于浓重、旋律平淡无奇，从而产生不知所云的困惑，需要经历一段时间方能领悟其中奥妙。这就令我感到两难了，究竟应该遵循音乐发展的时间顺序，还是该向巴洛克妥协？突然脑海中浮现出了《四季》、《皇家焰火音乐》、《水上音乐》这些耳熟能详作品的旋律。没错！巴洛克音乐中同样也有很好的古典入门曲目，这些被录制过无数次的经典曲目至今依然受到绝大多数爱乐者的喜爱。所以我决定还是从巴洛克音乐讲起，但只向大家推荐一些相对较为通俗易懂且悦耳动听的巴洛克曲目。

      首先我们要知道，"巴洛克"是一个时期的简称，这个时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。这个时期内产生的音乐作品，习惯上便称之为"巴洛克音乐"。当然时间的概念是刻板的，艺术形态则是相对灵活的。或许有人要问，"巴洛克"为何意？其实它本与音乐无关，"巴洛克（Baroque）"一词来源于葡萄牙语，意思是形态不够圆或不完美的珍珠，而且最初是建筑领域的术语，后来才逐渐用于艺术和音乐领域。

      在这里不得不提到巴洛克时期之前的西方音乐发展，从十五世纪中叶一直到1600年，我们习惯将之称为"文艺复兴时期"。正因为巴洛克音乐同文艺复兴时期的音乐，在诸多方面都存在很大的区别，所以才被后人划分为两个时代。提倡人文主义思想的文艺复兴时期是西方文明的一个标志，也是文学艺术以及现代科学的开端，在音乐艺术方面也取得了一定的发展。但缺乏有规律的节奏感、没有强弱音变化也是文艺复兴时期音乐在创作技巧上的局限。此后的巴洛克音乐能够风靡至今，与它在诸多领域的创新与变化是有密切联系的。有人曾经将文艺复兴时期与巴洛克时期的美学观放在一起，做了如下的对比——"如果把文艺复兴的美学观比做浑圆的珍珠，而巴罗克的美学观则是形状不整的珍珠，它是宁可打破形式上的均整也要着重于表现强度的一种形式"。所以我们可以很形象地总结巴洛克音乐的特点，那就是"对比强烈而略带夸张"。相比文艺复兴时期音乐作品力求获得和谐统一、舒缓流畅的效果以及整体四平八稳的风格，巴洛克音乐冲破了这种传统，而变得更加热烈而张扬。虽然这种风格在历史上也曾被指责为"过于夸饰而不够规范"，但巴洛克音乐带动整个西方音乐历史发展的事实，没人能将之否定。西方艺术史认为，在巴洛克时期音乐艺术获得了前所未有的迅猛发展。

      通常来说，巴洛克音乐有如下一些特色——它的节奏特别强烈、活跃，短促而律动；旋律精致、跳跃且持续不断；采用多旋律、复音音乐的复调法；作曲家普遍强调作品的情感起伏，以至于音乐的速度、力度变化在当时相当被看重；曲目的调性也从文艺复兴时期单一而保守的教会调式发展为采用大小调形式。同时西洋管弦乐器也在巴洛克时期得到了迅速的发展，小提琴的出现、拨弦古钢琴的成形都为巴洛克音乐提供了更丰富的表现力；其他乐器的发展也使得某些特定风格的巴洛克音乐其配器得以朝着多元化、大规模的方向发展。不过诸如管风琴、羽管健琴、维奥尔琴这类颇具历史的古乐器依然被广泛使用。

      在音乐表现形式方面，巴洛克时期要比文艺复兴时期的体裁丰富的多。皇室以及贵族对音乐的需求，促使许多巴洛克音乐家开拓出很多新的音乐表现形式，歌剧的兴起（并不是起源，歌剧的起源要追述到更久之前）便是最为突出的一点。虽然巴洛克时期的歌剧曾被一些专家批评为"矫揉造作"，但却是此后歌剧发展的一个基础。声乐领域的其他表现形式还有神剧、经文歌、清唱剧、受难曲和弥撒曲等，这些都是带有强烈宗教色彩的。由此可见在巴洛克时期，宗教音乐在西洋音乐中依然占有很大的分量。巴洛克时期的器乐曲发展很迅速，出现了大协奏曲、独奏协奏曲、管弦乐组曲、各种舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、赋格和奏鸣曲等诸多表现形式。其中很大一部分通过发展、演变，从而成为了后来更为成熟的形式。

      音乐在巴洛克时期的大发展也得益于这个时期涌现出了一大批优秀的作曲家。巴洛克时期最早的著名作曲家应该是意大利人蒙特威尔蒂，他出生于1567年，被誉为"文艺复兴时期向巴洛克时期过渡中显赫的人物"、"歌剧改革之父"以及"十七世纪最出色的作曲家"，但现如今他似乎被我们所忽视，起码在国内普通音乐爱好者当中，熟悉蒙特威尔蒂以及他作品的人不会很多。维瓦尔蒂是大家很熟悉的作曲家，其实他和蒙特威尔蒂一样，也是意大利人，但是他却比蒙特威尔蒂晚出世一百多年！所以蒙特威尔蒂堪称巴洛克音乐的祖师爷。另外，巴洛克时期的法国音乐不可小视，库普兰是其中的代表者，同样出生于法国的拉摩也是同期著名的音乐家，他曾被誉为"十八世纪法国最杰出的作曲家"。拉摩与库普兰一同构建了法国巴洛克音乐的辉煌，两者都是拨弦古钢琴领域出色的作曲家。巴洛克时期德国音乐家的代表是泰勒曼和J.S.巴赫，其实亨德尔也是德国人，但他的创作大多在英国完成，而且还入了英国国籍，所以通常被视为英国作曲家。泰勒曼这个名字或许显得比较陌生，但在十八世纪他在世的时候，声誉甚至超过巴赫，但作品流传却不是很广泛。

      我们的文章将要为大家着重介绍的将是其中大家较为熟悉的三人——维瓦尔蒂、J.S.巴赫以及亨德尔。他们属于同一时期的伟大音乐家，维瓦尔蒂最年长，出生于1678年；而巴赫与亨德尔都出生在1685年。维瓦尔蒂的名字与他的小提琴协奏曲《四季》紧密联系在一起，这部作品应该是最通俗的巴洛克音乐，甚至堪称流传最广泛的古典曲目。虽然其贡献远不如后面二人来的大，但知名度却非常之高，他所作的协奏曲也具有一定的品质。巴赫被誉为"音乐之父"，他的功绩自然非同一般，作品之多、水平之高也是亘古罕见的。亨德尔则具有天才的旋律大师，从他的音乐中可以感受到愉悦、优雅，他的协奏曲作品、歌剧、神剧都是巴洛克时期最为宝贵的音乐财富。这些大师以及有关的作品我们会在后面详细撰文介绍。

      最后简要谈谈巴洛克音乐的演奏。对当今的指挥与乐团而言，演绎巴洛克音乐有两种主要的方法。其一是采用现代乐器演奏，但是缩小乐团规模，以符合巴洛克作品的特定需要。其二则是采用古乐器或者仿古乐器演奏，甚至成立专门的小编制巴洛克乐团或者古乐团。两种方法相比，显然后一种演绎更能贴近巴洛克音乐的本质。当然也不能一概而论，曾经有专业乐评人说过——乐手手中的乐器是次要的，关键是他们对音乐的领悟与表现力，现代乐器同样能够体现出古乐的精妙、感人之处。当今巴洛克音乐演奏方面的好手包括：加迪纳与他的英国巴洛克独奏家乐团、哈农库特与他的维也纳爱乐协会古乐团以及马里纳与他的圣马丁室内乐团，他们都是当代乐坛巴洛克音乐最为权威的诠释者。所以购买由这三位名家指挥的巴洛克作品录音是相当安全的。

      好了，在和大家一起仔细倾听诸多巴洛克音乐名作之前，希望这篇文章能够起一个引导、铺垫的作用。后面的章节，我们会向大家详细介绍维瓦尔蒂、J.S.巴赫以及亨德尔三人的一些比较容易普及的作品。在此之前，大家可以先去听一下我们同期为您奉献的一张非常好的巴洛克音乐精粹集锦——RR公司出品的《Baroque  Favorites》，感受一下巴洛克音乐的风韵。